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Chinese Opera 國劇 . Beijing Opera 京劇 .JingJu
生
旦
淨
丑
Four major kinds of character
Male roles
Female roles
clown roles
By 04/26/2010
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Bel canto, literally ‘beautiful singing’, has been part of operatic terminology for many years. It continues, however, to have a somewhat nebulous meaning for many people. Understood definitions have developed at various times for different reasons. But it is possible to find common ground and come to a more cohesive understanding of the term as it is known today from the historical contexts in which it developed. A Short History of Bel Canto The term bel canto first appeared in seventeenth century Italy to distinguish a style of singing that was emerging in sacred music and operas that was different to the style used by folk and madrigal singers. It was not, however, commonly used until the mid-eighteenth century when opera seria became a prevalent operatic form. Opera seria was, as the name suggests, a formal style of opera, commonly using for its subject matter myth, legend, moral and religious stories. The showpiece of the opera seria work was the da capo aria. This style of aria had three sections, the third section being a repeat of the first – da capo indicating a return to the beginning of the piece – that utilised improvised ornamentation. This was partly to build the aria dramatically, but it also served as a means of demonstrating the virtuosity of the singer. Into the nineteenth century, many opera composers were exploring more dramatic and nationalistic styles and singers were being forced to pit their voices above louder and denser orchestral writing, requiring the development of a larger dramatic vocal style. In Italy, the more common style was still focusing on the line and the beauty of the voice. Consequently, bel canto became synonymous with the Italian model of operatic vocal production. Read more at Suite101: Operatic Styles - Bel Canto Opera: A History and Analysis of Bel Canto Style http://opera.suite101.com/article.cfm/operatic-styles---bel-canto-opera#ixzz0kENhXyhq 1、美聲唱法的淵源 美聲唱法實際上是從西歐專業古典聲樂的傳統唱法發展起來的，從文藝復興以後逐形成美聲唱法。當時的西方音樂更多是建立在多聲部教堂音樂、復調音樂基礎上，唱法本身離不了宗教音樂的影響。南女唱法一樣，只是聲部不一樣，高低不一樣。最初的歌劇以閹人代替女聲來唱，由女中音代替南青年來唱。隨著歌劇劇情的發展，一些情感激烈的戲劇性唱段，閹人的唱歌滿足不了表達劇情激烈發展的需要，於是歌唱家們努力探索、鑽研、改進自己的唱法，以適應劇情的需要，這樣就生了今天表現力豐富多彩的美聲唱法。所以，不同時代的歌唱形式、風格、情緒、情感不同，歌唱的方法也不同。發展到現在，已不是文藝復興時的唱法，也不是16、17世紀的唱法，我們現在唱17、18世紀的歌曲，還是用現在的唱法，只是在風格上多注意他們的特點，我們不需要再去訓練16、17世紀的唱法。我們今天的唱法，包括歐洲的歌劇、音樂會、清唱劇等舞台上常用的唱法，我們統稱之為美聲唱法。美聲來自意大利文Bel canto,意思是美好的歌唱。Bel canto在西方音樂界的定義和我們的理解有所不同，西方對Bel canto的理解指的是由作者家羅西尼（Rossini）、多尼采蒂（Donizetti）、貝利尼（Bellini）等人那個時期的作品和歌唱藝術，它包括了那個時期歌唱的風格、技巧、容、形式以及歌唱方法。美聲唱法實際上不是只講聲音，在它發展的史進程中，有過各種不同的現象：有一個時期只講聲音，既不注重歌詞也沒有「味兒」；有一個時期以炫耀技巧為主，離容；有一個時期也曾改變過要以容為主。我們接受美聲的傳統是主張聲情並茂地歌唱，不主張為聲音而聲音的歌唱，只要求「情」而沒有適應歌劇音樂會所需要的聲音，觀也是不喜歡的。現在介紹的是國外包括歐洲、美洲、俄羅斯、東歐等音樂廳、歌劇舞台的唱法，不是民間唱法，更不是舞廳、酒間那種的唱法，是提高了的藝術性唱法。 2、美聲唱法的特點 美聲唱法的特點是什麼？美聲區別於其他唱法的最主要的特點，用一句話來概括就是美聲唱法是混合聲區唱法。正如前面過的，美聲唱法從聲音來，是真聲假聲都用，是真假聲按音高比例的需要混合著用的。從共鳴來，是把歌唱所能用的共鳴腔體都調動起來。這種唱法本身有他自己特有的「味道」，特有的音響特色。學習和掌握美聲唱法的過程，等於用我們的歌唱訓練來製造我們的音樂器。美聲唱法所需要的歌唱樂器唱出來的歌聲是有他特有的「味道」的。 有人問我美聲唱法與民族唱法的界限是什麼？怎樣訓練？我想可以從唱法訓練和共鳴的不同這兩方面來區分。第一，唱法的訓練：如果全面地考慮世界藝術歌唱，這唱法上的區別，是指唱法本身子的力量及其真假聲的比例是什麼態，要混合到什麼程度，是以真聲為主還是以假聲為主。第二，共鳴的不同：美聲唱法是全共鳴，有些唱法只用部分共鳴，有的不需要唱到那麼高，有的不需要唱到那麼低，共鳴腔體的運用，用上部、用下部、用中間，這是區別唱法的幾個方面。美聲唱法是混合聲區，混合共鳴，聲音真假混合，共鳴同時出現。有的唱法共鳴用得比較暗。美聲唱法唱歌劇時後邊咽腔和鼻咽腔用得多，唱音樂會的後邊用得少，到高音也不掩蓋。這些唱法雖然都叫美聲，但是唱不了歌劇，雖然都是專業的，唱法上的區別也很大。在國際比賽中，常遇見這種情況，有的參賽者的歌劇選段唱的非常好，到唱藝術歌劇時，就完全不對了；或者藝術歌曲唱得非常有味，很正，但歌劇選曲唱不好，這些情況都不能入眩唱不同的作品要在唱法上有細微的變化，才能適應作品的需要。外，在世界上各種唱法就更多了，但不外乎音的使用方法和共鳴的組合法的不同，這兩方面各種組合的可能性都有。藝術的歌唱包括很好的民歌，好的歌唱者都是根據所唱的作品選擇唱法。從一個角度考慮歌唱中語言的位置，元音的位置不同所生的共鳴也不同。有些唱法希望保持元音的位置不變，從低到高保持元音不改變，保持共鳴的統一，甚至唱華彩部分，咬住原有元音不改變，不允許到高音用a來代替原有的元音。 3、美聲唱法於戲曲唱法 老一輩歌唱家向外國人學習美聲唱法，學習了美聲的發音、共鳴和外國語言唱法，他們學的多是外文歌曲，因為外國人教聲樂不會中國語言，更不中國語言的講究。因此，有些老一輩學美聲的歌唱家唱中文歌曲往往咬字不好，吐字不清楚。解放後聲樂界探討土、洋唱法的過程中，有人提出美聲唱法吐字不清的問題，美聲唱法開始研究中國語言唱法。在這方面特別需要向民族傳統吐字學習，尤其需要向單弦、京韻大鼓這些唱音樂學習。唱藝術的吐字完全可以用於美聲唱法的語言中。北京的單弦不離開話的基礎，怎麼唱，不論多高多低還在話的範圍，這是牌子曲的審美。同樣是唱音樂，京韻大鼓相對地比牌子曲共鳴多些，聲音在某種意義上離了話。單弦牌子曲幾乎跟話一樣，比話誇張些，京劇就更誇張了。們習慣了這些個唱法，但其實仔細聽各劇種的語言跟話已不一樣了。京劇已經有一套共鳴的法，老生更接近語言，「a」更白些，「i」用腦後音，聲音那麼靠前那麼亮。「i」到高音就要用腦後共鳴了。們在發「i」音時喉器位置高，發「u」音時喉器位置低。大夫看子時要求發「i」音，，因為發「i」音時喉器上來了，容易看到聲帶。京戲的「a」，一點多餘的音也沒有，一點沒有音包字，唱「i」元音時，跟話不一樣，聲音從後邊出來。語言誇張到什麼程度，擴展到什麼程度，也決定於方法的不同。在美聲唱法中，男聲不存在像老生那樣的唱法，老生用真聲的比例多。女聲更接近青衣，指的是真聲假聲混合的程度，主要區別在共鳴腔體的運用上。儘量解放可能用得上的共鳴，當然這裡有個審美的問題，用太多的共鳴就不自然了，既要用好共鳴，又要用得自然，這得有適當的尺度分寸，可是藝術很難用幾尺幾寸來衡量。各種類別、各個時代不一樣，各種風格、各種形式也不一樣。歌劇、藝術歌曲、清唱劇在美聲唱法中有各種不同的用法，這需要用歌唱的感覺和靈敏的聽覺去辨別。總之，美聲唱法是混合聲區，這種唱法在真聲的基礎上，隨著音高的上升，假聲的成分逐漸增多而變得以假聲為主。要利用更全的共鳴，男女、高低的唱法是統一的，這是美聲唱法的最大特點。 我國戲曲聲部的劃分不是按男高、女高、中音、低音；而是按行當，各個行當有各行當的唱法，不同的人物，不同的行當唱法是一樣的。在戲曲中，某一類人物是指正面人物、反面人物、丑角等，他們的唱法是不樣的。美聲唱法表現各種人物，正面人物、反面人物在唱法上是一樣的，但是唱出的人物性格是不一樣的。美聲唱法是高低聲部不同，戲曲唱法是行當不同，高低差不多，例如：老生與黑頭唱法不一樣，但音域差不多，黑頭稍低也低不了多少。老生張嘴就是A2，一個彎上去就是 B2。行當不一樣，唱法就不一樣。在我國傳統的戲曲裡沒有真正的重唱，因為我們沒有和聲的基礎，後來樣板戲寫了和聲，那是嘗試，傳統戲曲不是這樣。關於唱法，可從各個角度來，子的用法可以有各式各樣的，共鳴態的選擇可以有所不同，從語言的形，加上帶共鳴的語言是什麼形態，就可以區別是什麼唱法。民歌也好，戲曲也好，都有唱法的區別。我們聲樂教學會及到不同聲部，不同唱法，如果美聲、民族什麼都教，我想這樣談這些問題也許會有些助。因為這裡唱法上的關係都是一樣，但共鳴的比例不一樣，唱出來的音響也不一樣。 4、美聲唱法的學派與風格 有學生問我怎樣區分美聲唱法的學派，我想世界上只有兩大學派，一個是好學派，一個是壞學派。我倒想講講風格問題。唱不同風格的作品，選擇曲目不一樣；風格不一樣子的用法當然不一樣。但從技術本身來看，俄羅斯學派有好有壞，意大利學派也有好有壞。1988年在意大利那坡裡舉瑪利亞拉斯國際聲樂比賽，請我當評委，比賽結果進入決賽的10個人中，唯一的男聲是一名日本的小男高，還沒有高音，整個比賽中連一個像樣的男聲都沒有。意大利的聲樂學派也有好與不好之分。真可惜呀！雖然美聲唱法出自意大利，但有些老師完全不是傳統的意大利學派，去意大利學習的人想找個教美聲唱法的優秀的老師很難很難，歌唱的好與不好有唱法問題也有風格問題，譬如：俄羅斯有些唱法口腔用的比較多，尤其是男中音。這是他們語言的特點，也不對是方法好壞，不完全因為用他們的作品、他們的語言、訓練出來的就是這個味兒，其中有方法問題，如果方法不改，唱其他國家的作品也是這個味兒。現在科學這麼發達，又這麼方便，人與人的關係就更近了。維也納放一個新年音樂會，全世界都聽得見看得見了。同時，誰也不比誰先知道。學派的距離越來越近了。如果有區別是語言和風格上的區別，因為風格不同，要求的技術方法也有區別。 5、要掌握原則，也須靈活運用 關於歌唱樂器使用問題，好的真好，但也有各式各樣的好，好的並不對一樣，這是一般規律。總的原則是唱什麼就該是什麼味兒，唱自己的民歌，可在語言和共鳴上選擇個多點，個少點，老百姓更喜歡語言比較親切感情更健康的演唱。歌唱樂器使用有多種方法，但原則上是不能付出太多代價，儘量做到非常省力，既知道該怎麼用方法，又不費勁，這種方法就是好的。大的原則清楚了，小的問題可以調整，語言問題更是這樣。德國人比較重視語言，他們對歌劇或藝術歌曲的要求也不一樣。我跟一個賣唱片的外國人一起聽一張唱片，是Pertile唱的，他是繼Caruso以後在Scala唱主角的，賣唱片的外國人他唱得有點「冒」，我我喜歡；賣唱片的又「關」（指進高聲區的「關閉」也叫「掩蓋」）得太多。外國人各有各的喜愛，民族的審美也不一樣。所以，允許我們把美聲學到手，按我們的法唱，讓它符合我們感情的需要。但一定要合理，我要創新，如果違背了科學的方法，那自找麻煩，在合理的範圍，可以創新嘛！包括掩蓋，那時為唱意大利歌劇用的，為唱好我們自己的東西，我們可以改嘛！為什麼不可以？既要掌握原則，也可以靈活運用。但有些基本的原則，違背到不科學的地，自己會吃虧的。 摘自《沈湘聲樂教學藝術》
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